Mariana Baraj
Con Lisandro Aristimuño - Centro Cultural del Sur - Buenos Aires
"El 180" (gato) - Teatro Presidente Alvear
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"El 180" (gato) - Teatro Presidente Alvear
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16.7.08
17.5.08
Mensajes en una botella
Para Sui, por Sencillamente Ana
...será melhor deixar essa nuvem passar,
e você vai saber de onde vim, aonde vou,
e que eu estou aqui...
11.5.08
Omara y Bethania
JUNTAS EN BUENOS AIRES
La gira conjunta de Omara Portuondo y Maria Bethania
incluye el concierto del 7 de junio en el Luna Park.
Presentación del disco
Consola de sonidos
Videos
10.5.08
LadyFest Spain 2008
PARADA EN ESPAÑA DEL FESTIVAL ITINERANTE
Celebra la visualización de las mujeres de la cultura
en todas sus expresiones.
Madrid, 15 al 18 de mayo.
(Ladyfest) Es "non profit", no sexista, no homófobo, no xenófobo, Queer y Trans friendly y DIY. Ladyfest es un proyecto en construcción, al que cualquier persona que se sienta mujer en cuerpo, espíritu, mente y/o corazón es bienvenidx a participar.
Tiene como objetivo primordial celebrar y dar a conocer la cultura de las mujeres, así como su capacidad organizativa y política, basándose en que las mujeres se han visto relegadas a un segundo plano históricamente y por tanto también su contribución a la cultura.
Es un evento autogestionado, no admite patrocinadores publicitarios multinacionales y no busca entrar en el juego comercial, los fondos del festival en la mayoría de los casos son recaudados mediante fiestas y actividades benéficas de todo tipo: conciertos, tómbolas, talleres, etc y casi siempre, si las cuentas lo permiten la recaudación del festival se destinan a causas benéficas que tengan relación con las mujeres.
El festival en sí mismo suele consistir en uno, dos o tres dias de actividades musicales, talleres de distinta índole como taller de baile, de autodefensa, aprender a tocar un instrumento, confeccion de un fanzine, autoestima, sexualidad, etc, charlas y grupos de discusión asi mismo relacionados con la línea política del festival, cine y exposiciones.
Ladyfest es un festival POLÍTICO, aunque su formato sea cultural y se agrupe en torno a actividades artisiticas , la línea política del festival está bien definida, es un evento feminista y autogestionado donde tiene cabida la discusión política y en concreto feminista. Es un festival no sexista, no xenófobo, no homófobo, no transfóbico, no clasista y cuya máxima de gestión es el DIY o Do It Yourself como forma de empoderamiento.
Actualmente Ladyfest refleja en sus contenidos los nuevos movimientos feministas como el ciber feminismo, el feminismo queer, el eco feminismo, las nuevas identidades, etc y da cabida en sus filas a mujeres de cuerpo y alma y de todos los estratos sociales y culturales.
El dinero que el público paga por su entrada se concederá a las siguientes asociaciones:
Nuestras Hijas de Regreso a Casa: asociación civil de familiares y amistades de mujeres que han sido asesinadas y/o desaparecidas en Ciudad Juárez, Chihuahua, México, desde hace una década. Esta organización nació en febrero del 2001, a raíz de la desatención a las demandas de justicia judicial, la inacción gubernamental, la violación a derechos humanos y la recurrente desatención a víctimas.
En Ciudad Juárez desaparecen mujeres y no se vuelve a saber más de ellas, a menos que sus raptores decidan hacer aparecer sus cuerpos sin vida y con evidencias claras de haber sido brutalmente torturadas y asesinadas, violadas de manera tumultuaria y arrancadas partes de su cuerpo o quemadas. Es un dolor terrible para esta sociedad. ¿No hay nada que mueva a quienes pueden hacer algo al respecto?
La desesperación y miedo de las familias de vivir en tal inseguridad al ver a las hijas salir del hogar sin saber si van a regresar, no son motivo que afecte la voluntad de nadie de poner un freno a estos hechos.
A la fecha estos crímenes están impunes, y a las mujeres desaparecidas nadie las busca... y los asesinatos y desapariciones continúan sin que a la fecha haya responsable alguno. Invitamos al gobierno a que emita alguna acción y deje de seguir ignorando que en esta frontera ocurre algo sumamente grave.
Dejemos de ser cómplices de esta situación. Hacemos un llamado desesperado a todo aquél que su conciencia le exija hacer un mínimo esfuerzo por apoyar esta lucha en contra del feminicidio que parece no tener fin. Cada uno de nosotros, en nuestro ámbito de desempeño puede participar.
Ustedes pongan los limites, la violencia en esta ciudad parece no conocer fronteras. Los asesinatos de mujeres jóvenes y pobres comenzaron a documentarse en Ciudad Juárez en 1993... En 2001 se extiende el terror a la ciudad de Chihuahua... ¿Dónde y cuándo terminará...? Marisela Ortiz, Nuestras Hijas de Regreso a Casa A.C.
NHDRC constituye una red de apoyo para familiares y amigxs de las mujeres desaparecidas. Es una iniciativa privada y no cuenta con subvenciones ni apoyo material internacional, se encarga de la difusión y denuncia de la situación de violencia e impunidad vivida en Ciudad Juarez, además de fomentar la prevención y el aprendizaje en Derechos Humanos de lxs niñxs de la asociación. La población con la que trabaja, al igual que las victimas son en casi todos los casos personas migrantes, en situación de pobreza y extrema precariedad. Proporciona asesoría legal, psicológica y en muchos caso la ayuda material básica que las integrantes de la asociación necesitan.
Contacto: nuestrashijas@gmail.com
Creación Positiva: asociación ubicada en Barcelona, formada por hombres y mujeres que trabajan en el campo del VIH/SIDA desde una perspectiva de género. Han elegido esta línea de actuación porque creen que el VIH afecta a mujeres y hombres de manera diferenciada, y tener en cuenta estas diferencias es tener en cuenta las necesidades específicas de cada persona afectada por esta epidemia.
"Las creencias sobre cómo nos tenemos que comportar por el hecho de ser mujer u hombre nos afectan en nuestras relaciones interpersonales, en nuestra vivencia de la sexualidad, en nuestra manera de presentarnos al mundo, en nuestras expectativas, en la forma en la que nos definimos como personas... Darnos cuenta de esta diversidad puede posibilitarnos estar atent@s a la complejidad de comportamientos, ideas, emociones y sentimientos que aparecen en relación con la infección por VIH y ofrecer un espacio y un tiempo para la reflexión y el activismo". Creación Positiva colabora y participa con otras ONG locales, estatales e internacionales: Red2002, Red positiva (red de mujeres VIH+ del estado español), ICW, Xarxa de Dones per la Salut, Mujeres Adelante.... Sus objetivos son: · promover la eliminación de cualquier discriminación y estigmatización hacia las personas que vivimos con el VIH y cualquier otra situación que vulnere los derechos de las personas. · promover acciones y actuaciones de carácter comunitario que contribuyan a la calidad de la vida de las personas afectadas por el VIH. · ofrecer servicios y actividades en un marco en el que prevalezca la calidez, la confidencialidad y el respeto a la diversidad. · estar atent@s a las necesidades de las mujeres y los hombres y hacerles frente desde una perspectiva de género Realizan actividades como consulta y asesoría individual y de pareja, apoyo a mujeres seropositivas mediante un grupo de apoyo emocional, consultas de nautropatía, asesorías y atención social, grupos de apoyo a personas infectadas, apoyo mediante mediador@s por los derechos de personas infectadas, así como talleres de trabajo personal. Contacto: crea@creacionpositiva.net
"Las creencias sobre cómo nos tenemos que comportar por el hecho de ser mujer u hombre nos afectan en nuestras relaciones interpersonales, en nuestra vivencia de la sexualidad, en nuestra manera de presentarnos al mundo, en nuestras expectativas, en la forma en la que nos definimos como personas... Darnos cuenta de esta diversidad puede posibilitarnos estar atent@s a la complejidad de comportamientos, ideas, emociones y sentimientos que aparecen en relación con la infección por VIH y ofrecer un espacio y un tiempo para la reflexión y el activismo". Creación Positiva colabora y participa con otras ONG locales, estatales e internacionales: Red2002, Red positiva (red de mujeres VIH+ del estado español), ICW, Xarxa de Dones per la Salut, Mujeres Adelante.... Sus objetivos son: · promover la eliminación de cualquier discriminación y estigmatización hacia las personas que vivimos con el VIH y cualquier otra situación que vulnere los derechos de las personas. · promover acciones y actuaciones de carácter comunitario que contribuyan a la calidad de la vida de las personas afectadas por el VIH. · ofrecer servicios y actividades en un marco en el que prevalezca la calidez, la confidencialidad y el respeto a la diversidad. · estar atent@s a las necesidades de las mujeres y los hombres y hacerles frente desde una perspectiva de género Realizan actividades como consulta y asesoría individual y de pareja, apoyo a mujeres seropositivas mediante un grupo de apoyo emocional, consultas de nautropatía, asesorías y atención social, grupos de apoyo a personas infectadas, apoyo mediante mediador@s por los derechos de personas infectadas, así como talleres de trabajo personal. Contacto: crea@creacionpositiva.net
30.4.08
Eugenia León
CONCIERTO POR LAS MUJERES
Miércoles 4 de junio, Auditorio Nacional.
A beneficio de Semillas, Sociedad Mexicana Pro Derechos de la Mujer.
videos de Eugenia León en canal Nuestro Hammam
Emociones
26.4.08
Festival Únicas
ANTES QUE CANTE EL GALLO
Marianne Faithfull, Sinéad O'Connor, Ute Lemper,
Suzanne Vega, Mayte Martín, entre otras,
participarán de la nueva edición del ciclo en Barcelona.
Suzanne Vega, Mayte Martín, entre otras,
participarán de la nueva edición del ciclo en Barcelona.
(Estrella digital) La leyenda del rock londinense de la década de 1960, Marianne Faithfull, y la controvertida cantante irlandesa Sinéad O'Connor serán cabeza de cartel del festival de voces femeninas Únicas que se celebrará en el Palau de la Música entre el 2 de junio y el 7 de julio. Ute Lemper, Suzanne Vega, Mayte Martín, Haris Alexiou y Ani Choying Drolma y Sor Marie Keyrouz completan el cartel del festival.
Las dos destacadas intérpretes, Marianne Faithfull y Sinéad O'Connor, protagonizarán dos de los siete conciertos que ha programado el festival en su cuarta edición, convocatoria que también llegará a Madrid con otro programa, desde finales de noviembre hasta principios de diciembre.
Además de la gran damme, como bautizó Bob Dylan a Marianne Faithfull, también participan Ute Lemper, Suzanne Vega, Mayte Martín, Haris Alexiou y Ani Choying Drolma y Sor Marie Keyrouz completan el cartel del festival en la ciudad condal.
Sin embargo, la III edición del festival en Madrid se celebrará entre noviembre y diciembre con un cartel "totalmente diferente". La directora del festival, Lil Castagnet, destacó la "capacidad comunicativa" de las intérpretes que participarán en el festival cuya trayectoria "se ha construido a veces por el dolor". Así, subrayó, "el concierto íntimo y emotivo" que ofrecerá Faithfull, quien inaugurará el festival, "tras haber vencido a un cáncer", con temas de su nuevo trabajo titulado Songs of Innocence & Experience.
La transgresora e inconformista Sinéad O'Connor, que rompió en 1992 la foto del Papa Juan Pablo II ante las cámaras de la cadena de televisión NBC horrorizada por las noticias de abusos a niños en escuelas católicas irlandesas, presentará un trabajo acústico y minimalista titulado Theology , en una única actuación española.
La griega Haris Alexíou, con más de 30 álbumes en los que canta a los grandes poetas griegos, actuará por primera vez en Barcelona con un Homenaje a Manos Loízos, destacado compositor del siglo XX, al que Grecia le dedicó el año 2007.
Ani Choying Drolma y Sor Marie Keyrouz, ambas monjas, una budista tibetana y otra cristiana maronita, que no se conocen, serán las estrellas de un programa doble, al final del cual "quizás canten juntas", señaló Castagnet.
Mayte Martín estrenará en Únicas un proyecto ideado por la bienal de flamenco de Málaga, nacido como homenaje al poeta malagueño Manuel Alcántara y titulado Cuando llega la noche en el que no faltará "un tango argentino" remarcó la directora del festival.
La cantante alemana Ute Lemper, artista de culto y embajadora del cabaré berlinés, dedicará su actuación titulada "Between Yesterday and Tomorrow" a la canción francesa con temas de Jacques Brel, Edith Piaff y Jacques Prévert sin olvidar alguno de sus éxitos interpretativos de canciones de Kurt Weill.
La compositora neoyorquina Suzanne Vega que inauguró el festival en Madrid el año pasado y "nos dice que Nueva York es una mujer", indicó Castagnet, traerá a Barcelona Beauty and Crime con temas que exploran el mundo de Frank Sinatra y Ava Gardner o Marlene Dietrich, entre otras canciones.
El ciclo Únicas se celebra en el Palau de la Música catalán, espacio que se halla en plena conmemoración de su centenario. En Madrid tuvo lugar el año pasado en el Teatro Calderón y para éste se baraja el Nuevo Calderón o el Lope de Vega.
La promotora musical y directora de Únicas adelantó, sin concretar, que "puede haber una sorpresa" quizás por el hecho de que el festival está estudiando posibilidades de tener una convocatoria en Londres.
Desde finales de noviembre y hasta el 4 de diciembre se celebrará la III edición de Únicas en Madrid, "posiblemente en el Teatro Lope de Vega", y seguro que "con cartel totalmente diferente" al que se presentó este martes en Barcelona, indicó la directora, que baraja también la posibilidad de exportar el festival a Londres, una opción que "está en cartera" pero aún por concretar. Lo que sí aseguró Castagnet es que "tendría un cartel similar al de Madrid", no al de Barcelona de esta edición.
20.4.08
Adriana Calcanhotto
¡MAREA BIENVENIDA A BUENOS AIRES!
El 10 de mayo, en el Gran Rex,
la exquisita cantante y compositora
de Porto Alegre comenzará la gira
del nuevo CD dedicado al mar.
Consola de sonidos como adelanto.
(Adriana Calcanhotto) "Maré" es mi octavo disco y el segundo de una trilogía. El primero fue "Maritmo", el álbum de 1998. Y como segundo, este tiene como tema el regreso al mar, el mar vivido “más de una vez”, la marea.
Y tal vez por estar entre el primero y el tercero es que resultó pensado entre la mujer y el pez, entre la palabra y la maraña cuántica, entre el lenguaje y lo indivisible. O entre Ferreira Gullar y Cazuza, entre Augusto de Campos y Dorival Caymmi, entre Cicero y Waly (1).
Las canciones fueron legando de a poco y algunas, como “Mulher sem razão” y “Onde andarás”, ya flirteaban desde hacía tiempo. Otras surgieron a partir de un pedido mío, como la perla de Pericles “Porto Alegre”; escribí letras para melodías (“Maré” y “Seu pensamento”), hice música preparándome para recibir la letra (“Para lá”) y otras canciones simplemente se atravsaron en mi camino. En determinado momento tuve repertorio para un álbum triple, pero como para mí pasar el tamiz suele ser más interesante que acumular canciones, escoger las definitivas no resultó muy difícil. Todo corte, toda canción que cae da cierta sensación de ahogo al corazón, más, por otro lado, es bueno ver cómo las canciones van iluminándose o contradiciéndose unas con otras, dentro de un rompe cabezas que comienza sin conocer con certeza adonde irá a parar.
Llamé a mis compañeros Moreno, Domenico y Kassin, conversamos durante un tour fuera de Brasil, cosa que nunca antes habíamos hecho; después haríamos el disco. Ese encuentro fue batizado por ellos como +Ella(2). Y con esa formación fuimos a España y Japón, lo que significó la oportunidad de tocar en vivo antes de las grabaciones, lo cual generalmente permite entrar en calor, en términos sonoros y, según doy crédito ahora, eso mismo ocurrió. Fue importante para nuestra sintonía, más allá de que el repertorio de aquella gira fuese diferente al que grabamos.
A Dé Palmeira, compañero, amigo, hermano y único compositor que suma dos temas dentro del disco (“Seu pensamento” y “Mulher sem razão”), con quien yo había hecho diversas cosas -el CD "Adriana Partimpim" inclusive-, lo invité para tocar y simplemente tocar, con toda la alegría, el placer y el divertimento con que él toca, y que me encanta. Lo mismo combiné con los otros muchachos: vamos a producir y simplemente tocar. Arto Lindsay era quien produciría. De ese modo las grabaciones podían ocurrir de manera concentrada, más suelta. El trabajo de Arto es perfecto para soltarse.
La gente tocó lo que quiso, aportando cada cual de acuerdo a su feeling, y yo me focalicé básicamente en la elección de las personas, no tanto en los timbres ni en la instrumentación. Con excepción de "Sem saída" (arreglada por Aldo Brizzi), las canciones fueron siendo construidas a medida que íbamos tocando. Diferente de lo que llamamos “arreglo colectivo”, en el sentido del plan sobre lo sucederá (es, más bien, un chorro de ideas), trabajé mucho con el silencio. Nunca dije cómo imaginaba que las piezas debían ser y, lo máximo, entre las opciones obtenidas traté de escoger la más bonita. O la más loca. Arto entendió todo desde el inicio y contribuyó para la fluidez, siendo un atento y estimulador oyente.
Con Felipe Abreu hicimos una preproducción con toda calma, meses antes de las grabaciones, experimentando tonalidades y marchas, dejando para el estudio aquello que fuese sucediendo con las bases, las colocaciones y colores de las voces. Felipe, a quien sólo nombro "Pro", es un propulsor cariñoson, y me prohibió tomar café durante las sesiones de voz. Hubo un día en que me pescó en el baño del estudio, escondida, bebiendo café del termo en un vaso descartable, y abandoné el vicio, para siempre (del café, naturalmente, nunca del profesor).
Con sus antenas abiertas, Fabiano França captó “nuestros” sonidos. Una de mis dos guitarras ya bastante usada, a la que amo, una guitarra a la que no le gusta mantenerse afinada, un cello que ronca con una respiración fuerte; nada de eso fue camuflado por él, en un intento de disfraz. Amo, por ejemplo, o sonido que él y Domenico tomaron de mi bicicleta (en “Onde andarás”). Fabiano opera el sonido de mis shows hace tiempo, conoce mi voz y mi guitarra y sabe cuándo estoy bien o no, o no mucho, cuándo estoy animada, mal dormida, distraída, alegre, o le que fuere; siempre hace preguntas precisas, preciosas, acordes.
Cada día llegó al estudio algo maravilloso de la mano de Roberta Sudback. Delicadezas perfumadas e inspiradoras. Consiguió que vegetarianos, gourmets, estrictos o antojadizos, estuviéramos en las nubes.
Nos reímos mucho unos de los otros, y sobre todo de nosotros mismos, compulsivamente. Buscamos que las emociones, escalofríos, carcajadas, los placeres, los impactos ante cada poema, las vacilaciones e imprecisiones quedaran tal cual. Así lo espero.
¡Diviértanse!
(1) Antonio Cicero y Waly Salomão, los realizadores que escribieron para mí el CD “Cantada” (2002), dicen algo que funciona tal vez como llave para entender esa áspera reunión de autores: “El atractivo diferencial de Adriana Calcanhotto es ese arte combinatorio y osado de incorporar al trabajo disonancias culturales de modo tal que, en el intento de armonizarlas, enfatiza sus choques, sus hendiduras, sus brechas, como si ella fuese un DJ que arranca y samplea sonoridades reconocibles de la música comercial y erudita, de la poesía canónica y de los clishés líricos…”.
(2) En referencia a +Ella: “Adriana Calcanhotto telefoneó para invitarnos a una gira por España, a principios de julio de 2007. Nosotros (+2) estábamos en lo mejor de otra gira, la del lanzamiento de nuestro último disco, “Futurismo”, de Kassin +2, que finaliza una trilogía que comenzó hacia fines del siglo pasado cuando grabábamos en una casa alquilada en Araras la música de una máquina de escribir de Moreno +2, algo que llamó la atención de Adriana.
La naturaleza de +2, desde que comenzamos, es cierto despojamiento respecto de lo que se supone son las funciones establecidas de una banda, como por ejemplo: el baterista, el cantante, el guitarrista, etc. En nuestras sesiones de grabación, siempre nos empeñamos en tocar cambiando los instrumentos, incluyendo aquellos que no dominamos bien… Adriana es una agregada (+) más a esta idea, hacemos shows junto a ella, que participa de nuestros discos, y ella nos invita también. Lo bueno es que siempre las cosas suceden de forma natural y siempre, también, diferentes de lo que imaginábamos. Tenemos muchas afinidades y gustos en común. Domenico Lancelloti, Río de Janeiro, 08/06/07
6.4.08
Preciosidades
CIRQUE DU SOLEIL:
ALEGRÍA PARA ARGENTINA Y CHILE
La compañía canadiense de comedia del arte
llevará uno de los quince espectáculos que al unísono
presenta por el mundo.
(SMW press) Luego del éxito de la presentación de Saltimbanco en el 2006, la Empresa T4f Argentina y Cirque du Soleil traen a Buenos Aires uno de sus espectáculos más populares: Alegría, que se presentará en cincuenta y tres funciones, desde el 20 de junio y hasta el 27 de julio en Costanera Sur (Av. España 2230), en el mismo predio que actuara dos años atrás (lindero a la ex Ciudad Deportiva de Boca Jrs.), para luego dirigirse a Santiago de Chile.
Está considerada mundialmente como una de las producciones más populares del Cirque du Soleil. Creada por Gilles Ste-Croix para conmemorar el décimo aniversario de la compañía, se estrenó en abril de 1994 en Montreal, Canadá, y ya fue vista por más de nueve millones de espectadores en quince países, donde hizo escala, entre otros puntos, en NYC, Chicago, Tokio, Sydney, Singapur, Hong Kong, Berlín, Londres, Barcelona, Viena, México D.F., y recientemente en seis ciudades de Brasil.
Dirigido por el italiano Franco Dragone, el espectáculo Alegría posee un elenco de 55 artistas (acróbatas, músicos, cantantes, payasos y personajes), de 17 nacionalidades, como canadienses, norteamericanos, búlgaros, rusos, españoles, polacos y brasileños, con edades que van desde los 12 a los 54 años. Hay dos integrantes que pertenecen al elenco original, quienes han participado en cuatro mil presentaciones durante más de 13 años.
El equipo de creadores se completa con Dominique Lemieux (diseñadora del vestuario), Michel Crête (escenógrafo), Debra Brown (coreógrafa), Guy Desrochers (diseñador de sonido), Luc Lafortune (diseñador de luces), René Dupéré (compositor y director musical), y Sylvie Galarneau (directora artística). Este conjunto ofrece una ambientación única para las actuaciones de los artistas, que combina habilidad, agilidad y fuerza.
Alegría cuenta además con un equipo de 130 trabajadores (personal técnico y de producción), y viaja con más de 800 toneladas de equipos. Es un pequeño pueblo sobre ruedas, que ocupa un área de 2 mil mts2 y es autosuficiente en su funcionamiento.
LA HISTORIA: Retrata una época en que la fantasía y la magia eran parte de la rutina diaria de las personas: cuando el mundo de cada uno era su familia, su entorno y su rutina; y cualquier cosa fuera de eso significaba lo fantástico desconocido.
El espectáculo se inspira en las familias circenses que cruzaban Europa no hace mucho tiempo; y cuenta con el lenguaje universal del circo como elemento básico. Para el director Franco Dragone, los personajes y las actuaciones dejan al descubierto la ternura humana: “Nuestro escenario es un monumento imponente, una estructura indefinida que sugiere una organización de gran poder e influencia; pesada en su connotación, más liviana en su realización”.
Así, los personajes moldean sus trayectorias y su propio universo. Con esperanza y perseverancia se tornan capaces de resistir a las mudanzas y a las transformaciones sociales causadas por los embates históricos, como la lucha por el poder y su propia debilidad y la evolución de las antiguas monarquías a las democracias modernas.
En esta verdadera “corte” donde reina la imaginación, afloran todas las emociones y prevalece la diversidad, bufones de la corte, trovadores, mendigos, bellos aristócratas y sirvientes muestran cómo es posible actuar mejor individualmente y en conjunto, en busca de épocas que ofrecen más oportunidades.
La atmósfera nostálgica se completa con una iluminación que recuerda los grandes salones del siglo XVII y vestimentas que van desde el glamour de la llamada “Vieja Orden”, a la agilidad de la “Nueva Orden”. La música ejecutada en vivo transita por el jazz, el pop, el tango y el Klezmer, con instrumentos acústicos y de percusión.
ESTRUCTURA: Alegría se desarrolla en nueve actos: en la apertura, “El Trapecio Sincronizado” (Trapeze Synchro), desafía la ley de gravedad con giros en el aire y maniobras armónicas, en una danza que captura la energía de cada momento de la vida. A continuación, una verdadera troupe surge en “Power Track”, utilizando un trampolín sorpresa para realizar acrobacias que deslumbran por la velocidad y la altura, representando la imponente fuerza de la juventud.
En “Equilibrio” (handbalancing), un artista solitario eleva su cuerpo al aire suspendido apenas por una de sus manos, utilizando la otra para crear formas sorprendentes. Ritmos de percusión dan la atmósfera para “La Danza del fuego con Cuchillos” (Fire - Knife Dance”), una seductora y osada actuación donde los artistas manipulan cuchillos en llamas que recorren todo sus cuerpos.
A continuación dos solos: “Manipulación” (Manipulation), combina delicadeza y flexibilidad a partir de elementos de gimnasia olímpica, ballet y malabares; y “El Hombre Volador” (Flying Man), una actuación que exige toda la destreza del artista para controlar al mismo tiempo la elasticidad del bungee (cinta elástica), y la fuerza de las argollas de las gimnasia olímpica.
Con barras estrechas (solas, dobles y triples), colocadas sobre los hombros, los artistas de “Barras Rusas” (Russian Bars), hacen equilibrio unos sobre otros en saltos sincronizados y giros precisos, con alto nivel de concentración y confianza mutua. En “Contorsión” (Contortion), un dúo esculpe formas como si fueran uno solo, con movimientos sobre una mesa giratoria.
En el final, tres barras colocadas en lo alto de la carpa sirven como lugar de juegos para el número “Barra Elevada Aérea” (Aerial High Bar), donde los acróbatas vuelan hacia los brazos de sus compañeros, finalizando en un salto mortal sobre las redes de protección.
Además, durante el espectáculo aparecerán varios personajes: El impredecible “Fleur” guía al público por el mundo de Alegría. Los “Viejos Pájaros Nostálgicos” observan las transformaciones como si aún conservaran su juventud, poder y belleza (cual aristócratas), al reflejar sus propias figuras en marcos sin espejos. Otro testimonio del paso del tiempo son los payasos, verdaderos relatores sociales de Alegría; visionarios y filósofos de lo absurdo, sus cómicas actuaciones transforman el mundo en un verdadero circo. Tamir es un solícito mago que aparece en importantes situaciones y desaparece ni bien cumple su misión. Las ninfas encantan por su exuberancia y belleza. Por último, dos cantantes: la blanca que transforma en canción todo lo que ve a su alrededor; y la negra que, con su alter-ego, guarda muchos secretos.
VESTUARIO: La diseñadora, Dominique Lemieux diseñó el sofisticado y barroco vestuario. Dominique lidera un equipo de más de 80 personas para el proceso de creación. Más de 90 trajes y numerosos tocados, máscaras, zapatos y prendas fueron creados en el proceso inicial; muchas horas se necesitaron para cuidar los detalles de cada traje y se utilizaron las mejores telas. Los artistas juegan un importante rol en el diseño del vestuario.
Dominique presta mucha atención a las personalidades y movimientos de cada artista, y busca sus sentimientos y percepciones volcándolos en el bosquejo inicial del vestuario. Algo de la inspiración para los trajes proviene del significado de la palabra alegría en español. Colores como el celeste, el dorado y el blanco son utilizados para representar la pureza e inocencia de los personajes jóvenes como “el ángel”, “las ninfas” y los músicos. En contraste, diseños creados con piedras preciosas, joyas, brillos y puntillas, embellecen los trajes de los personajes barrocos comos los “Pájaros Viejos”, retratando así su conexión con sus viejas formas aristócratas.
Cada diseño pasa por 10 borradores antes de la selección final. Las telas utilizadas proceden de Inglaterra, Italia, Francia, Suiza, Canadá, Alemania y EE.UU; e incluyen jersey de seda, moleskin y miliskin de lycra, encaje de hilo metálico y de nylon, seda natural y cuero. El ochenta por ciento de las telas son teñidas especialmente según los requerimientos del espectáculo. Por lo general, estas telas son blancas y se tiñen a mano y estampan con colores personalizados en el taller de vestuario en Montreal. La seda es la tela más utilizada para los trajes, ya que es muy resistente, tiñe muy bien, puede ser lavado a mano, y es de rápido secado.
Para la producción inicial del vestuario se utilizaron, aproximadamente, 500 ovillos de hilo para tejer, 1.000 metros de trenzas, 1.450 metros de encajes, 10 kilogramos de brillo y 2300 metros de jersey de seda. Para adornar a los 16 pájaros se utilizaron 5.000 botones, imitaciones de diamantes y joyas de fantasía (todas cosidas a mano), 1.600 flores sintéticas, 275 metros de brocato de seda, y 732 litros de tintura de color púrpura. Cerca de 1.000 botones y joyas son utilizados solamente para las dos cantantes. El miriñaque de los vestidos esta hecho de acero. Finas calzas enterizas son utilizadas en el vestuario de los contorsionistas para dar un efecto de cuerpos tatuados. El encaje utilizado en los trajes de los ángeles en el número “Aerial High Bar”, fueron hechos con 18.292 metros de hilo. Un total de 200 pelucas blancas fueron remodeladas y esculpidas para crear el cabello de los ángeles y los músicos. La mayoría de las plumas están confeccionadas de gasa o de organza, las cuales son lavables.
Debido al desgaste, se mandan constantemente nuevos vestuarios a los espectáculos desde Montreal. Sin embargo, el departamento de vestuario que viaja con el tour realiza las reparaciones necesarias y el reemplazo de las partes.
WHITE GRAND CHAPITEAU: La Gran Carpa Blanca, con capacidad para 2.500 personas, mide 19 metros de alto y 51 metros de diámetro. La cúpula se levanta de forma mecánica. Los 8 funiculares y los aros alrededor de cada mástil son elevados manualmente con la ayuda de un motor “tirfor”. Los cuatro mástiles miden 24 metros de altura cada uno. Para levantarla se requiere de un equipo de aproximadamente 80 personas, entre el departamento logístico, el departamento técnico y empleados locales.
El predio incluye la instalación de una entrada, carpas artísticas, boletería, oficinas administrativas, una cocina totalmente equipada y una escuela. El predio no necesita del suministro de electricidad por parte de la ciudad, porque tres generadores proveen 1500 kilowatts de electricidad al complejo. Para mantener aclimatadas la Gran Carpa Blanca, la carpa artística y las carpas de bienvenida se necesitan 7 unidades de aire acondicionado frío/calor.
VIDA SOBRE RUEDAS: Alegría constituye un pueblo autosuficiente que se mueve de país en país, de ciudad en ciudad, con 130 personas de 25 nacionalidades y 70 trailers que transportan 800 toneladas de equipo.
Es la novena producción del Cirque du Soleil, compañía que cuenta con más “pueblos sobre ruedas”, generalmente en tour por Japón, EE.UU, México y Europa, con sus otros espectáculos: Kooza, Saltimbanco, Corteo, Dralion, Quidam y Varekai.
En cada oportunidad, el complejo ocupa un área de aproximadamente 2.000 metros cuadrados. Instalarlo toma 7 días, y desmantelarlo, sólo tres. Se necesitan 40 técnicos, junto con un equipo de 100 personas, totalizando 6.000 horas de trabajo para realizar ambas tareas.
El Tour involucra un equipo de 55 artistas, 2 fisioterapeutas, 4 cocineros, 3 maestras y una multitud de técnicos y personal de oficina que completan 130 integrantes, y unas 170 personas son contratadas en cada ciudad que se visita.
Está considerada mundialmente como una de las producciones más populares del Cirque du Soleil. Creada por Gilles Ste-Croix para conmemorar el décimo aniversario de la compañía, se estrenó en abril de 1994 en Montreal, Canadá, y ya fue vista por más de nueve millones de espectadores en quince países, donde hizo escala, entre otros puntos, en NYC, Chicago, Tokio, Sydney, Singapur, Hong Kong, Berlín, Londres, Barcelona, Viena, México D.F., y recientemente en seis ciudades de Brasil.
Dirigido por el italiano Franco Dragone, el espectáculo Alegría posee un elenco de 55 artistas (acróbatas, músicos, cantantes, payasos y personajes), de 17 nacionalidades, como canadienses, norteamericanos, búlgaros, rusos, españoles, polacos y brasileños, con edades que van desde los 12 a los 54 años. Hay dos integrantes que pertenecen al elenco original, quienes han participado en cuatro mil presentaciones durante más de 13 años.
El equipo de creadores se completa con Dominique Lemieux (diseñadora del vestuario), Michel Crête (escenógrafo), Debra Brown (coreógrafa), Guy Desrochers (diseñador de sonido), Luc Lafortune (diseñador de luces), René Dupéré (compositor y director musical), y Sylvie Galarneau (directora artística). Este conjunto ofrece una ambientación única para las actuaciones de los artistas, que combina habilidad, agilidad y fuerza.
Alegría cuenta además con un equipo de 130 trabajadores (personal técnico y de producción), y viaja con más de 800 toneladas de equipos. Es un pequeño pueblo sobre ruedas, que ocupa un área de 2 mil mts2 y es autosuficiente en su funcionamiento.
LA HISTORIA: Retrata una época en que la fantasía y la magia eran parte de la rutina diaria de las personas: cuando el mundo de cada uno era su familia, su entorno y su rutina; y cualquier cosa fuera de eso significaba lo fantástico desconocido.
El espectáculo se inspira en las familias circenses que cruzaban Europa no hace mucho tiempo; y cuenta con el lenguaje universal del circo como elemento básico. Para el director Franco Dragone, los personajes y las actuaciones dejan al descubierto la ternura humana: “Nuestro escenario es un monumento imponente, una estructura indefinida que sugiere una organización de gran poder e influencia; pesada en su connotación, más liviana en su realización”.
Así, los personajes moldean sus trayectorias y su propio universo. Con esperanza y perseverancia se tornan capaces de resistir a las mudanzas y a las transformaciones sociales causadas por los embates históricos, como la lucha por el poder y su propia debilidad y la evolución de las antiguas monarquías a las democracias modernas.
En esta verdadera “corte” donde reina la imaginación, afloran todas las emociones y prevalece la diversidad, bufones de la corte, trovadores, mendigos, bellos aristócratas y sirvientes muestran cómo es posible actuar mejor individualmente y en conjunto, en busca de épocas que ofrecen más oportunidades.
La atmósfera nostálgica se completa con una iluminación que recuerda los grandes salones del siglo XVII y vestimentas que van desde el glamour de la llamada “Vieja Orden”, a la agilidad de la “Nueva Orden”. La música ejecutada en vivo transita por el jazz, el pop, el tango y el Klezmer, con instrumentos acústicos y de percusión.
ESTRUCTURA: Alegría se desarrolla en nueve actos: en la apertura, “El Trapecio Sincronizado” (Trapeze Synchro), desafía la ley de gravedad con giros en el aire y maniobras armónicas, en una danza que captura la energía de cada momento de la vida. A continuación, una verdadera troupe surge en “Power Track”, utilizando un trampolín sorpresa para realizar acrobacias que deslumbran por la velocidad y la altura, representando la imponente fuerza de la juventud.
En “Equilibrio” (handbalancing), un artista solitario eleva su cuerpo al aire suspendido apenas por una de sus manos, utilizando la otra para crear formas sorprendentes. Ritmos de percusión dan la atmósfera para “La Danza del fuego con Cuchillos” (Fire - Knife Dance”), una seductora y osada actuación donde los artistas manipulan cuchillos en llamas que recorren todo sus cuerpos.
A continuación dos solos: “Manipulación” (Manipulation), combina delicadeza y flexibilidad a partir de elementos de gimnasia olímpica, ballet y malabares; y “El Hombre Volador” (Flying Man), una actuación que exige toda la destreza del artista para controlar al mismo tiempo la elasticidad del bungee (cinta elástica), y la fuerza de las argollas de las gimnasia olímpica.
Con barras estrechas (solas, dobles y triples), colocadas sobre los hombros, los artistas de “Barras Rusas” (Russian Bars), hacen equilibrio unos sobre otros en saltos sincronizados y giros precisos, con alto nivel de concentración y confianza mutua. En “Contorsión” (Contortion), un dúo esculpe formas como si fueran uno solo, con movimientos sobre una mesa giratoria.
En el final, tres barras colocadas en lo alto de la carpa sirven como lugar de juegos para el número “Barra Elevada Aérea” (Aerial High Bar), donde los acróbatas vuelan hacia los brazos de sus compañeros, finalizando en un salto mortal sobre las redes de protección.
Además, durante el espectáculo aparecerán varios personajes: El impredecible “Fleur” guía al público por el mundo de Alegría. Los “Viejos Pájaros Nostálgicos” observan las transformaciones como si aún conservaran su juventud, poder y belleza (cual aristócratas), al reflejar sus propias figuras en marcos sin espejos. Otro testimonio del paso del tiempo son los payasos, verdaderos relatores sociales de Alegría; visionarios y filósofos de lo absurdo, sus cómicas actuaciones transforman el mundo en un verdadero circo. Tamir es un solícito mago que aparece en importantes situaciones y desaparece ni bien cumple su misión. Las ninfas encantan por su exuberancia y belleza. Por último, dos cantantes: la blanca que transforma en canción todo lo que ve a su alrededor; y la negra que, con su alter-ego, guarda muchos secretos.
VESTUARIO: La diseñadora, Dominique Lemieux diseñó el sofisticado y barroco vestuario. Dominique lidera un equipo de más de 80 personas para el proceso de creación. Más de 90 trajes y numerosos tocados, máscaras, zapatos y prendas fueron creados en el proceso inicial; muchas horas se necesitaron para cuidar los detalles de cada traje y se utilizaron las mejores telas. Los artistas juegan un importante rol en el diseño del vestuario.
Dominique presta mucha atención a las personalidades y movimientos de cada artista, y busca sus sentimientos y percepciones volcándolos en el bosquejo inicial del vestuario. Algo de la inspiración para los trajes proviene del significado de la palabra alegría en español. Colores como el celeste, el dorado y el blanco son utilizados para representar la pureza e inocencia de los personajes jóvenes como “el ángel”, “las ninfas” y los músicos. En contraste, diseños creados con piedras preciosas, joyas, brillos y puntillas, embellecen los trajes de los personajes barrocos comos los “Pájaros Viejos”, retratando así su conexión con sus viejas formas aristócratas.
Cada diseño pasa por 10 borradores antes de la selección final. Las telas utilizadas proceden de Inglaterra, Italia, Francia, Suiza, Canadá, Alemania y EE.UU; e incluyen jersey de seda, moleskin y miliskin de lycra, encaje de hilo metálico y de nylon, seda natural y cuero. El ochenta por ciento de las telas son teñidas especialmente según los requerimientos del espectáculo. Por lo general, estas telas son blancas y se tiñen a mano y estampan con colores personalizados en el taller de vestuario en Montreal. La seda es la tela más utilizada para los trajes, ya que es muy resistente, tiñe muy bien, puede ser lavado a mano, y es de rápido secado.
Para la producción inicial del vestuario se utilizaron, aproximadamente, 500 ovillos de hilo para tejer, 1.000 metros de trenzas, 1.450 metros de encajes, 10 kilogramos de brillo y 2300 metros de jersey de seda. Para adornar a los 16 pájaros se utilizaron 5.000 botones, imitaciones de diamantes y joyas de fantasía (todas cosidas a mano), 1.600 flores sintéticas, 275 metros de brocato de seda, y 732 litros de tintura de color púrpura. Cerca de 1.000 botones y joyas son utilizados solamente para las dos cantantes. El miriñaque de los vestidos esta hecho de acero. Finas calzas enterizas son utilizadas en el vestuario de los contorsionistas para dar un efecto de cuerpos tatuados. El encaje utilizado en los trajes de los ángeles en el número “Aerial High Bar”, fueron hechos con 18.292 metros de hilo. Un total de 200 pelucas blancas fueron remodeladas y esculpidas para crear el cabello de los ángeles y los músicos. La mayoría de las plumas están confeccionadas de gasa o de organza, las cuales son lavables.
Debido al desgaste, se mandan constantemente nuevos vestuarios a los espectáculos desde Montreal. Sin embargo, el departamento de vestuario que viaja con el tour realiza las reparaciones necesarias y el reemplazo de las partes.
WHITE GRAND CHAPITEAU: La Gran Carpa Blanca, con capacidad para 2.500 personas, mide 19 metros de alto y 51 metros de diámetro. La cúpula se levanta de forma mecánica. Los 8 funiculares y los aros alrededor de cada mástil son elevados manualmente con la ayuda de un motor “tirfor”. Los cuatro mástiles miden 24 metros de altura cada uno. Para levantarla se requiere de un equipo de aproximadamente 80 personas, entre el departamento logístico, el departamento técnico y empleados locales.
El predio incluye la instalación de una entrada, carpas artísticas, boletería, oficinas administrativas, una cocina totalmente equipada y una escuela. El predio no necesita del suministro de electricidad por parte de la ciudad, porque tres generadores proveen 1500 kilowatts de electricidad al complejo. Para mantener aclimatadas la Gran Carpa Blanca, la carpa artística y las carpas de bienvenida se necesitan 7 unidades de aire acondicionado frío/calor.
VIDA SOBRE RUEDAS: Alegría constituye un pueblo autosuficiente que se mueve de país en país, de ciudad en ciudad, con 130 personas de 25 nacionalidades y 70 trailers que transportan 800 toneladas de equipo.
Es la novena producción del Cirque du Soleil, compañía que cuenta con más “pueblos sobre ruedas”, generalmente en tour por Japón, EE.UU, México y Europa, con sus otros espectáculos: Kooza, Saltimbanco, Corteo, Dralion, Quidam y Varekai.
En cada oportunidad, el complejo ocupa un área de aproximadamente 2.000 metros cuadrados. Instalarlo toma 7 días, y desmantelarlo, sólo tres. Se necesitan 40 técnicos, junto con un equipo de 100 personas, totalizando 6.000 horas de trabajo para realizar ambas tareas.
El Tour involucra un equipo de 55 artistas, 2 fisioterapeutas, 4 cocineros, 3 maestras y una multitud de técnicos y personal de oficina que completan 130 integrantes, y unas 170 personas son contratadas en cada ciudad que se visita.
Cirque du soleil: ¡Bienvenido! (Nuestro Hammam)
La cantante canadiense Francesca Gagnon,
intérprete de la versión predilecta de la canción que distingue a Alegría,
no integra este tour.
Otros videos en canal Nuestro Hammam
3.4.08
Festival de México
EL MATADERO DE CIUDAD JUÁREZ
Pronta a su estreno en el centro histórico mexicano,
la obra teatral del argentino Emilio García Wehbi,
que continúa una serie de alto compromiso estético y conceptual,
despierta especial interés por su relación con los feminicidios.
(24º Festival de México) El público tendrá la oportunidad de participar en una experiencia fuera de lo común. Se trata del último proyecto de
El matadero.6
El texto de esta puesta fue construido a partir de la obra de artistas de diversas disciplinas que han transitado por trastornos psíquicos ellos mismos -Artaud, Celan, Walser-, o los han tematizado desde su propio quehacer artístico -Rilke, Viel Temperley, Büchner-. La obra no tiene una duración definida y ni siquiera el director sabe exactamente lo que va a ocurrir una vez comenzado el espectáculo. El objetivo de El matadero es recuperar la dimensión ritual del trabajo escénico, utilizando el cuerpo como soporte, para inquietar y provocar al espectador y comprometerlo con el devenir de la experiencia escénica.
El público podrá llegar a la hora pautada de inicio, o no hacerlo, y es libre de retirarse en cualquier momento, si así lo desea. La sala estará acondicionada especialmente, de modo que los espectadores puedan estar de pie o sentados dentro de ella mientras las acciones se desarrollan en el perímetro del espacio. Debido a las características especiales de este evento, en cada función sólo se podrán recibir 100 personas. La crudeza de los sucesos al interior de la obra la hacen recomendable sólo para mayores de 18 años.
Es de destacar que, para este proyecto,
La presencia de estos dos grandes realizadores en México es resultado de la labor de Artillería Producciones, joven conjunto dirigido por Alberto Villarreal que comienza a perfilarse como uno de los grupos más representativos del teatro contemporáneo mexicano. Ubicada en una búsqueda que privilegia la “presentación” sobre la “representación”, Artillería Producciones ha promovido el intercambio artístico con creadores de la talla de Daniel Veronese y Alejandro Jodorowsky, cuya obra El Sueño sin fin también se presentará en esta edición del Festival.
PARA LEER MÁS:
Retoma montaje muertas de Juárez
Emilio García Wehbi: "No hay que perder lo atávico"
30.3.08
27.3.08
Omara Portuondo y Maria Bethania
¡MANDINGA, CONGO, SAMBA, BOSSA, CARABALÍ!
Dos de las mujeres más representativas
de la cultura americana de raíces afro
comenzaron la gira conjunta
que pasea los sonidos de Brasil y de Cuba.
(Sidimir Sanches) El encuentro de Omara y Bethânia tal vez sea una gran alegoría acerca de los lazos ancestrales e indisolubles que ligan las aldeas de las dos: “Desde las primeras estadísticas, un fenómeno llamó la atención de los afroamericanistas, tanto en Bahia como en Cuba: los esclavos negros identificaban en los orixás africanos a ciertos santos y vírgenes católicas”, observa el antropólogo francés Erwan Dianteill. El origen de los negros, yorubas, es el mismo. Lo que en Brasil es cancomblé, en la pequeña isla caribeña es santería. Sólo es cuestión de nombres distintos. Las asociaciones y configuraciones del culto son las mismas. En el plano económico, el cultivo de la caña de azúcar, a través del monocultivo en el sistema de plantación, se repitió en los dos sitios.
El aspecto burocrático de ese “acta de nacimiento histórico” en común es apenas una manera tentativa de buscar basamento académico para explicar el hecho de que Omara y Bethânia son hermanas. Al final, hijas del mismo negro que pasó por el mismo proceso de abolición de la esclavitud y generó música, aunque dispar en la forma, de complejidad muy similar. Juntas, promueven un reencuentro del trazado evolutivo de dos pueblos siameses, que tienen en la música la manifestación más contundente del autoconocimiento.
En 2005 Omara viajó para cumplir con una agenda de shows en Brasil. Entonces tomó contacto con Bethânia porque quería conocerla. No sólo se encontraron, sino también combinaron la realización de un disco. Instantáneamente surgió un entendimiento mutuo, poco común en un primer encuentro entre personas que no se conocían, en principio. Pero los lazos ancestrales hablaron por sí mismos. Poco después, en enero de 2007, Omara regresaba a Brasil para la grabación, en el estudio de la productora Biscoito Fino, del disco que ahora acaba de salir, en las versiones de CD o kit de CD más DVD con videos.
Aun cuando habían encomendado una vasta selección de repertorios, sobre todo cubano, las canciones resultaron definidas en el día a día de las grabaciones, a partir de la complicidad musical establecida desde el primer momento. El resto son memorias, canciones que de alguna forma traducían el clima de ese “reencuentro” y establecían paralelos del 
cancionero de ambos países. El resultado trata sobre intérpretes que expresan con mucha claridad, y sin concesiones, sus referencias primordiales.
Algunas grabaciones aparecen como dípticos, con una canción cubana y otra brasilera sobre el mismo tema. Para ese clima, el disco abre con dos canciones de cuna, Lacho (Facundo Rivero y Juan Pablo Miranda), traducida por Omara, y Menino Grande (Antonio Maria), cantada por Bethânia. Introducidas por el Poema LXIV (Dulce María Loynaz) vienen Palabras (Marta Valdés) y Palavras (Gonzaguinha). En la misma perspectiva están Caipira de fato (Adaulto Santos), grabada por Inezita Barroso en 1997, y la cubana rural El amor de mi bohío (Júlio Brito).
Juntas, Omara y Bethânia interpretan Tal Vez (de Juan Formell, director del legendario grupo Van Van), en clave de son, ritmo base de la música cubana; Você (Heckel Tavares y Nair Mesquita), uno de los momentos más simples del disco, tema lanzado en 1942 por Carmen Costa y grabado posteriormente por nombres como Nara Leão y Fagner; la bucólica Só vendo que beleza- marambaia (Rubens Campos y Henricão), en una versión que va del samba a la salsa, incluida la deliciosa intervención de rap que hace Omara; y Para cantarle a mi amor (Orlando de
Completan la selección los solos de Omara, Nana para un suspiro (del contemporáneo Pedro Luis Ferrer), originalmente una nueva versión que aquí gana contornos de samba-bossa (con referencia jobiniana), y Mil congojas (Juan Pablo Miranda); y Bethânia, con Arrepentimiento (Dolores Duran y Fernando César), extraída del repertorio de Dircinha Baptista.
El de Omara Portuondo y Maria Bethânia es un trabajo en tono de reencuentro ancestral, impregnado por el intercambio de recuerdos e impresiones sobre un mundo en común. Acarrea en sí la interpretación de un universo prendido a la memoria y a las referencias, que trasparenta la nítida idea de que las cosas, en este caso, un disco, persiguen un fin concreto, más allá del simple y abstracto acto de cantar. Canta todo brasilero, todo cubano, cada brasilero, cada cubano, y al final se tiene la impresión de que convergen hacia un monolito, en cuya cima se encuentra aquel negro ancestral que no deja mentir. La fuerza del canto de ambas, con décadas en las respectivas carreras, remite directamente a la historia de millones de monarcas africanas, conocidas como candaces, linaje de mujeres negras cuyo legado de luchas y conquistas atraviesa el tiempo y las distancias. Nada más apropiado.
La gira brasileña comenzó:
RIO DE JANEIRO
Dias 7,8,14,15 e 16 de março - Canecão Petrobrás, na Av. Venceslau Brás, 215, Botafogo. Tel: (21) 2105-2000
SÃO PAULO
Dias 27 e 28 de março - Via Funchal, na Rua Finchal, 65
BELO HORIZONTE - MG
Dias 4 e 5 de abril - Palácio das Artes, ns Av. Afonso Pena, 1537
MACEIÓ - AL
Dia 9 de abril - Teatro Gustavo Leite, na Rua Celso Piatti s/n, Jaraguá
OLINDA - PE
Dia 12 de abril - Teatro Guararapes, Centro de Convenções, na Av. Professor Andrade Bezerra s/n, Salgadinho
BRASÍLIA - DF
Dias 17 e 18 de abril - Teatro Nacional Cláudio Santoro, Setor Cultural Via N 2, em frente ao Conjunto Nacional de Brasília
ARACAJU - SE
Dia 23 de abril - Espaço EMES, na Av. Tancredo Neves, 225, Jardim
SALVADOR - BA
Dias 25 e 26 de abril - Teatro Castro Alves, na Praça Dois de Julho s/n, Campo Grande
25.3.08
Chavela Vargas
¿Qué nos ha cambiado tanto?, preguntó Chavela
(María Cortina, Crónica Mx) Se acordó de cuando, en abril de 2004, fue a visitar a Las Madres de la Plaza de Mayo en Argentina. Se volvió a emocionar al recordar el recorrido que Taty Almeida, en representación de las fundadoras, le dio en su local de Buenos Aires. “Una pared cubierta de dolor”, me dijo y me comenzó al explicar las fotografías de miles de jóvenes argentinos, desaparecidos durante la dictadura militar y que guarda aún en su memoria de mujer anciana.Habían pasado ya varios lustros desde su desaparición, pero las madres de los desaparecidos le contaban a Chavela Vargas la historia de sus hijos, como quien cuenta un dolor nuevo, fresco, un dolor cenizo que aún quema. Y cuatro años después de su viaje a Argentina, Chavela me lo platicó a mí con las palabras limpias que pronuncia la gente que nunca olvida. Y Chavela Vargas no olvida, pero tampoco entiende. Me pide que le explique qué diablos está sucediendo en el mundo. Qué pasa en México, qué ha pasado que nos ha cambiado tanto. Apenas comenzamos a hablar y desató su voz demandando la respuesta inmediata de una y otra pregunta. Ha estado muy atenta, según me confesó, de los acontecimientos de las últimas semanas. Por eso se acordó de Las Madres de la Plaza de Mayo y de sus hijos asesinados. Después me preguntó si yo entiendo por qué todo mundo se empeña en cuestionar a los jóvenes mexicanos que se encontraban en un campamento de las FARC, en Ecuador, al momento en que la fuerzas colombianas lo atacaron.
¿Y tú que piensas?, le pregunté. “Que son jóvenes. Que estaban buscando respuestas. Que estaban buscando razones. Una, tan sólo una razón para seguir creyendo que el mundo puede ser mejor, más humano, mas digno, más sabio. Un mundo que los entienda y al cual ellos puedan entender”, me respondió sin titubear. Le hago otra pregunta que tarda en responder. Permanece un buen rato en silencio. La mirada clavada en la memoria. La memoria de una mujer que está a punto de cumplir 89 años y que lleva todavía la vida envuelta en las manos, como una ola al centro de un jardín.
Chavela, insisto ¿y tú de joven qué buscabas? “Respirar, vivir, sentir. Buscaba un sitio donde ser Chavela Vargas, un rincón, un amor, un puñado de amigos, una canción. Buscaba la verdad. El amor que no tuve de niña, la seguridad que quisieron arrancarme, la verdad, te
repito, buscaba la verdad”. Y la encontraste, Chavela, la encontraste, le dije. “Encontré a México. Y lo hice mío. Por eso me duele México. Por eso no entiendo que México no defienda a ciegas a los suyos. Que no salga a gritarle al mundo que es un dolor terrible el que hayan matado a esos chamacos. Que es una injusticia, que es un horror. No entiendo por qué quieren someter a una investigación a sus cuerpos de jóvenes, a su recuerdo de muchachos inquietos, impacientes, expectantes, insatisfechos, no es pecado buscar, no es terrorista el que busca”.Chavela vuelve otra vez a su encierro. Hace una pausa larga. Intento cambiar el tema, pero sigue sin responder. Parece estar triste, su mirada sin sus lentes oscuros, desciende y rasga el tiempo. Cuando regresa, recuerda los tiempos en que México apoyaba las luchas sociales de los países de Sudamérica, como Argentina y Chile y las de América Central. Algo tiene en la memoria sobre el caso de una mexicana que fue violada, torturada y asesinada en El Salvador en 1989. De algo se acuerda, pero no tiene muy claro el caso, se le borra la imagen. Y ahora soy yo la que le cuento.
Se llamaba Alejandra Bravo y era estudiante de medicina de la Universidad Autónoma Metropolitana. Como todos los estudiantes de su generación estaba informada de lo que sucedía en América Central. La Nicaragua sandinista atacada por la contra desde territorio vecino, Guatemala de la tierra arrasada, y en El Salvador, una guerrilla, dirigida por jóvenes estudiantes en su mayoría universitarios, dibujaba una sonrisa al horror.
A Alejandra la ametrallaron a corta distancia. Pero antes, le fracturaron los huesos, le cortaron con navaja los senos, las piernas y el cuello y la violaron. La embajada de México en San Salvador hizo lo que tenía que hacer. En medio de la guerra, denunció, exigió, acudió al sitio de los hechos. Y en ningún momento, que yo recuerde, se cuestionó el hecho de que Alejandra Bravo, pasante de medicina, era o no terrorista. México envió una nota de protesta al gobierno de El Salvador.
Cuando terminé de contárselo, Chavela lloró. Quedito, pero lloró. Y ya no le pude sacar ni una sola palabra. Ni una sonrisa, ni un movimiento nuevo en su jardín. (mariacortina@hotmail.com)
otros artículos sobre Chavela Vargas en Nuestro Hammam
Navegamos
NINA SIMONE
Un clásico… optimista donde los haya, para volver a la rutina.
Nina, forever.
Hay quien no tiene nada y tiene todo, y hay quien tiene todo y no tiene nada.
Dedicada a Goro
Ain't Got No... I've Got Life
(Letra con muchas variaciones en directo)
No tengo hogar, no tengo zapatos
No tengo dinero, no tengo clase
No tengo faldas, no tengo jersey
No tengo perfume, no tengo cama
No tengo inteligencia
No tengo madre, no tengo cultura
No tengo amigos, no tengo educación
No tengo amor, no tengo nombre
No tengo billete, no tengo cupón
No tengo amor
¿Qué es lo que tengo?
¿Por qué estoy viva entonces?
Tengo mi pelo, tengo mi cabeza
Tengo mi cerebro, tengo mis orejas
Tengo mis ojos, tengo mi nariz
Tengo mi boca, tengo mi sonrisa
Tengo mi lengua, tengo mi barbilla
Tengo mi cuello, tengo mis tetas
Tengo mi corazón, tengo mi alma
Tengo mi culo, tengo mi sexo
Tengo mis brazos, tengo mis manos
Tengo mis dedos, tengo mis piernas
Tengo mis pies, tengo mis tobillos
Tengo mi hígado, tengo mi sangre
Tengo vida, yo tengo mi libertad
Tengo mi vida
Dedicada x minarg a Sui
Live At Ronnie Scott's (1985)
Live at Ronnie Scott's: grabado el 17 de noviembre de 1985.
"I Love You Porgy", "The Other Woman" & "Mississippi Goddam"/"Moon Over Alabama" Medley.
Live at Ronnie Scott's: grabado el 17 de noviembre de 1985.
"I Love You Porgy", "The Other Woman" & "Mississippi Goddam"/"Moon Over Alabama" Medley.
10.3.08
Video
SOY LO QUE SOY - I AM WHAT I AM (NUESTRO HAMMAM)
música x Sandra Mihanovich
imágenes: World Bodypainting Festival 2007
29.2.08
En clave de sol
NUEVA RADIO Y NUEVO FORO, ¡BIENVENIDOS!
Esta semana abrió sus puertas virtuales
la propuesta emanada de largos meses de trabajo
comunitario emprendido desde España,
ahora con convocatoria a toda Iberoamérica.
Con mayoría de mujeres, siempre abierta a los hombres,
que ya se entusiasmaron con sumarse.
Minarg, desde Nuestro Hammam, integra la programación.
Quiénes somos
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Nuestra radio: pronto lograremos, con la inclusión de emisoras/es provenientes de distintos países, veinticuatro horas ininterrumpidas de programación variada y personalizada, que será posible única y exclusivamente gracias al esfuerzo, ilusión y entusiasmo de las personas que, sin más interés que el de comunicarse contigo y hacerte pasar un rato agradable, estarán tras el micrófono, dándote lo mejor de sí mismas.
Nuestro foro: Una ventana abierta al exterior, al interior, a la diversidad, al diálogo, a la solidaridad, a la esperanza, al amor…
¿Quieres emitir en la radio? Si te apetece, no dudes en enviarnos tu propuesta por e-mail , a la siguiente dirección: enclavedesol2007@hotmail.com Es muy fácil, solo necesitas un PC en buenas condiciones y dos pequeños programas que te serán facilitados por nuestro equipo técnico, el cual te ayudará a instalarlos y manejarlos. Por otra parte, el equipo de locución estará contigo para orientarte y apoyarte. No lo olvides, estaremos esperándote para que formes parte de este proyecto, sin pedirte exclusividad, en el caso de que estés emitiendo en otra radio.
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